Na przełomie maja i czerwca odbyła się pierwsza część szkoleń programu M.M.M. Przez 5 kolejnych tygodni uczestnicy sześciu ścieżek tematycznych spotykali się regularnie na zajęciach prowadzonych w czasie rzeczywistym przez Tutorów z całego świata. W sumie przeprowadziliśmy 35 zajęć w formie webinariów, podczas których łączyliśmy się z ekspertami z różnych stref czasowych, od zachodniego wybrzeża Stanów Zjednoczonych poprzez Islandię, Wielką Brytanię, Szwajcarię, Francję, Niemcy, Polskę, Danię, Szwecję, Norwegię, Finlandię, po Wietnam i Tajwan. W ciągu tych ponad 70 godzin spotkań online padło mnóstwo ciekawych pytań na temat wyzwań przed menadżerami kultury w zakresie efektywnego zarządzania, pracy zespołowej i świadomego włączania publiczności w kreację wydarzeń.

Moduł EDUKACJA MUZYCZNA dedykowany był wzorcowym międzynarodowym praktykom z zakresu nauki gry na instrumencie i pracy w grupie na przykładzie gry w orkiestrze, kształcenia słuchu oraz rozwoju publiczności od najmłodszych lat do wieku senioralnego. Annika Kukkonen z Filharmonii Helsińskiej i Tuula Jukola Nuorteva z Fińskiej Opery Narodowej opowiadały o projektach swoich instytucji realizowanych w ścisłej współpracy z siecią szkół publicznych i uczelniami wyższymi w Finlandii. Prof. Julian Lloyd-Webber i Ron Davis Alvarez podzielili się bogatym doświadczeniem związanym z propagowaniem misji El Sistema, odpowiednio w Wielkiej Brytanii i w Szwecji. El Sistema to narodowy system dziecięcych i młodzieżowych orkiestr i chórów zapoczątkowany w Wenezueli w 1975 roku przez José Antonio Abreu, a obecnie działający w wielu krajach.

W module ARTIST MANAGEMENT, Grzegorz Kotow ze swoimi gośćmi – Lydią Kuo (Dyrektor, Narodowa Orkiestra Symfoniczna, Tajwan), Florianem Riem (Sekretarz Generalny Światowej Federacji Międzynarodowych Konkursów Muzycznych) i Oliverem Wille (Dyrektor Artystyczny, Sommerliche Musiktage Hitzacker, Przewodniczący Jury – German Music Competition) – poruszali m.in. takie kwestie jak komunikacja na linii artysta – menadżer – dyrektor artystyczny instytucji, relacje menadżerów z dyrektorami artystycznymi festiwali muzycznych i sal koncertowych, budowanie długotrwałych kontaktów i sieciowanie, specyfika rynku muzycznego w różnych rejonach świata: na czym polega fenomen krajów, w których koncerty muzyki klasycznej przyciągają głównie młodą publiczność? Stanisław Suchora i jego goście – kuratorka i badaczka Monika Pasiecznik oraz Sebastian Jóźwiak (wydawca, menadżer, producent muzyczny) – rozmawiali o hybrydyzacji branży i samego zawodu menadżera muzycznego. Martin Malmgreen – ekspert w negocjowaniu umów w środowisku międzynarodowym – przeprowadził zajęcia z zakresu kontraktowania, negocjowania i praw autorskich.

W module TEAM MANAGEMENT, z Xoanem Castineirą (Fundacja J.S. Bacha St. Gallen) poruszaliśmy np. temat zarządzania energią w zespole: Jak uniknąć wygórowanych oczekiwań od zespołu, przepracowania i wypalenia zawodowego, a z drugiej strony nie dopuścić do łatwego popadania w samozadowolenie, gdzie poziom energii nie pozwala kreatywności zaiskrzyć. Dyrygentka Lilianna Krych opowiadała o organizacji pracy artystycznej, komunikacji od programu do koncertu, ustalaniu składów i organizacji przebiegu prób. Rune Bergmann i Maria Sydor opowiadali m.in. o tym, jakie wyzwania stoją przed młodymi dyrygentami we współpracy z międzynarodowymi orkiestrami, od czego rozpoczynają pierwszy kontakt z orkiestrą i co jest kluczowe dla dobrego porozumienia dyrygenta z orkiestrą. Dyrygenci – Dyrektorzy Artystyczni Maciej Żółtowski (Oneonta, NY) i Łukasz Borowicz (Filharmonia Poznańska) rozmawiali m.in. o przesłuchaniach, o planowaniu sezonu artystycznego, a także o zarządzaniu kryzysem i uwarunkowaniach zewnętrznych, finansowych, wizerunkowych i o tym, jak instytucje radzą sobie z nowymi wyzwaniami związanymi z pandemią.





Wprowadzeniem do modułu ART CURATION był wykład Stanisława Rukszy o roli kuratora i o doświadczeniu kuratorskim. O wszechstronnej i wielowymiarowej funkcji kuratora opowiadał też krytyk sztuki z Los Angeles Andrew Berardini. Marianna Dobkowska przedstawiła na przykładzie projektów rezydencji artystycznych CSW w Warszawie, jak wyglądają relacje w pracy instytucji z artystami; natomiast Anna Kobierska opowiedziała o koordynacji wystaw, budżetowaniu oraz finansach związanych z produkcją wydarzeń. Anna Marjankowska przeprowadziła warsztaty z prawa pracy oraz stosunków pomiędzy pracownikami. Batek Buczek opowiedział, jak wygląda montaż wystawy z perspektywy artysty. Nguyễn Quốc Thành przedstawił projekty niezależnego kolektywu artystów w Hanoi Nhà Sàn Collective i opowiedział o kondycji niezależnego sektora kultury w Wietnamie.

W module SOUND, zaczęliśmy od studium przypadku, gdzie Prof. Joanna Napieralska zaprojektowała dźwięk zainspirowana kręconymi schodami w holu Filharmonii w Szczecinie. W kolejnych webinarach eksperci poruszali takie zagadnienia jak sound design w nagłośnieniu (dr Jarosław Regulski), planowanie pracy i konfiguracja miksera do realizacji koncertu na żywo i do nagrania (Erik Valderhaug), nagłośnienie muzyki wspomaganej komputerowo (dr Wojciech Błażejczyk), techniki mikrofonizacji (prof. Krzysztof Kuraszkiewicz), przykłady nagrań ilustrujące złożoną strukturę formy fonograficznej (Michał Szostakowski), dźwięk i VR, mastering nagrania muzyki na potrzeby streamingu w Internecie, kodowanie audio video (Przemysław Danowski), dźwięk w instalacjach interaktywnych i archiwizacja (Dorota Błaszczak).

Moduł LIGHT & MULTIMEDIA poświęciliśmy takim zagadnieniom jak artystyczne aspekty reżyserii świateł, metoda pracy krok po kroku, inspiracje i referencje reżysera światła, budowanie emocjonalności i dramaturgii światłem, negocjowanie warunków i współpraca z zespołem artystycznym – z udziałem tak wybitnych reżyserek świateł jak Felice Ross, Ellen Ruge czy Katarzyna Łuszczyk. Ewa Krasucka opowiedziała o tym jak rejestrować i utrwalać wydarzenia sceniczne w dobie streamingów, na podstawie realizacji w Teatrze Wielkim – Operze Narodowej. Paweł ‘Spider’ Pająk opowiedział o tworzeniu świetlnej oprawy koncertowej, a także o roli reżysera (creative director) i producenta kreatywnego (creative producer) w etapach powstawania koncepcji, projektowania, produkcji oraz realizacji wydarzeń. Skupiliśmy się również na zastosowaniu nowych technologii i nieuniknionym wpływie pandemii na przyspieszony rozwój technologii i powstawanie nowych hybrydowych form wydarzeń.


Przede wszystkim, w każdym module zwracano uwagę na rolę świadomości i wiedzy na temat specyfiki pracy każdego z ogniw w procesie twórczym i produkcji wydarzeń, począwszy od samych artystów przez managementy, producentów, reżyserów, realizatorów kamer, operatorów.
 
30-07-2021, 15:47:07
COOKIESAby ułatwić Tobie korzystanie z serwisu filharmonia.szczecin.pl, a także w celach statystycznych, używamy plików cookies. Jeśli nie blokujesz tych plików, oznacza to, że zgadzasz się na ich użycie oraz zapisanie w pamięci urządzenia. Możesz samodzielnie zarządzać cookies, zmieniając ustawienia przeglądarki.
Polityka prywatności | AKCEPTUJĘ